Al comenzar a escribir sobre la obra del artista español Xevi Solà (1969), pintor figurativo contemporáneo, de inmediato me asaltó la pregunta ¿qué es ser un figurativo contemporáneo? Busqué ayuda conceptual en el filósofo italiano Giorgio Agamben, quien se expresa sin sutilezas sobre la ambigüedad del término: “Es verdaderamente contemporáneo aquel que no coincide perfectamente con su tiempo ni se adecua a sus pretensiones y es por ello, en este sentido, inactual; pero, justamente por esta razón, a través de este desvío, él es capaz, más que el resto, de percibir y aferrar su tiempo”. La contemporaneidad es, entonces, una singular relación con el propio tiempo se adhiere a él y, a la vez, toma distancia para poder observarlo. Ahora bien, sobre el figurativismo en la pintura, existe un acuerdo estético que indica el uso de la transposición al lienzo de la imagen de un personaje, de un paisaje o de una realidad determinados. Sin embargo, la exploración de temas con una estética figurativa evolucionó hacia estilos expresionistas e hiperrealistas, sin dejar de mencionar la tendencia neofigurativa. El Fovismo (del francés fauvisme; de fauve, “fiera”) se caracterizó por el uso de colores puros y contrastados aplicados sin mezclar y a veces directamente de los tubos de pintura. Los fauvistas no buscaban reproducir un paisaje o retrato literalmente, sino expresar el sentir, la emoción que estos producen.
En sincronicidad con el Fovismo y el Expresionismo, surge el movimiento Die Brücke (El puente) como un arte de oposición a las reglas naturalistas clásicas e impresionistas vigentes a comienzos de siglo XX. Para el expresionista, el paisaje o el retrato era algo que había que vivir desde el interior dando rienda suelta a la espontaneidad y a la manifestación psicológica de la inspiración. Ernst Kirchner, uno de los creadores de Die Brücke, concebía “el lienzo como rectángulo de transcripción de una ola psíquica”, elaborando formas tensas y agudas, con colores ácidos y figuras distorsionadas, mientras afirmaba: “El pintor transforma en obra de arte la concepción de su experiencia (…). No hay reglas fijas para esto.”
Pienso que era necesario ubicarme en estos conceptos para abordar la obra Xevi Solà, que plasma en sus telas la figuración desde una perspectiva inusitada, al pintar sus personajes con una subjetividad distorsionada de la realidad observada, utilizando colores dinámicos que ayudan a fijar la mirada en el gesto de la figura allí representada y provocar el sentimiento de un inevitable encuentro casual en el observador. El uso de colores puros y los trazos intensos que obvian la objetividad del entorno y la forma de representar la figura misma, denotan una influencia del expresionismo, del fauvismo y a la vez de la tendencia Die Brücke. Tuve la oportunidad de conversar con Xevi Solà con motivo de su próxima exposición en Miami.
- En la invitación de Opera Gallery nos enteramos de que usted ha titulado la exposición “Social Landscape” en homenaje al fotógrafo Lee Friedlander quien capturo en sus imágenes la complejidad de las interacciones entre personas, objetos y los entornos en que habitan ¿Que le inspiro Friedlander?
En la universidad le propuse a mi profesor de fotografía hacer un trabajo que consistía en fotografiar a la gente saliendo de una estación del metro, fue entonces cuando el me hablo de Friedlander. Me entusiasmaron sus fotografías, me llamo poderosamente la atención como era capaz de fotografiar a personas en diferentes planos al mismo tiempo haciendo cosas distintas. Mis personajes pueden estar uno al lado del otro, pero raramente interactúan, sus pensamientos estan muy lejos del lugar. Ese individualismo me recordó a las fotografías de calle de Friedlander.
- Usted, siendo un artista figurativo contemporáneo ¿se siente incluido en la definición de Roland Barthes, “Lo contemporáneo es lo intempestivo”?
Todo artista figurativo contemporáneo debería provenir de Picasso, el pintor disruptivo por excelencia, y creo que los artistas figurativos contemporáneos tenemos mucho que aprender de la abstracción. Yo intento cumplir esas dos premisas. Me he propuesto que el trazo de mis pinturas sea el protagonista absoluto ya que considero que no hay nada más personal que el trazo. En mi caso no pretendo romper nada premeditadamente, solo pretendo fluir aprendiendo y desaprendiendo.
- En una oportunidad usted expreso lo siguiente: “creo que en la pintura contemporánea es mejor actuar por instinto, cuando intentamos dejar a un lado la conciencia y solo utilizamos lo que hemos aprendido automáticamente”. ¿Podría ahondar en esta afirmación?
Es como si todos supiéramos en el fondo lo que tenemos que hacer, pero a menudo las ganas de gustar hacen que nos traicionemos a nosotros mismos y arruinen el resultado esperado. Creo que más o menos sería eso en otras palabras.
- Cuando usted afirma “Para mi, un cuadro debe ser un espacio donde el color fluya libremente”, descríbame paso a paso su proceso creativo al elaborar el motivo de la pintura Autdoors incluida en esta exposición y que ilustra este artículo.
Mi proceso, ya no solo para esta pintura en particular sino para todas las de esta exposición, es más o menos el mismo. Primero hago pequeños dibujos de 4 o 5cm a partir de fotogramas o fotomontajes previos en los que pretendo representar una idea. Si consigo que uno de los dibujos evoque la imagen de la pintura acabada en mi mente, entonces reproduzco los trazos principales en la tela de ese dibujo, esos trazos serán los que me servirán de base para la pintura definitiva. Seguidamente, y sin dibujo previo, aplico la pintura, de manera empastada o diluida según convenga y después dibujo con el pincel sobre la pintura fresca los detalles.
- Sus pinturas reflejan fascinación por el subconsciente y la actual dinámica de los roles sociales ¿Su interés en el gesto y en el retrato psicológico lo ha llevado a las fuentes del neofigurativismo de la posguerra que borro la certeza de sus pinceles?
Busco retratar sentimientos, estados de ánimo, intenciones... y para ello me funciona la morfo-psicologia, que, aunque se ha demostrado que puede llevar al engaño, a menudo nos sirve para relacionarnos con los demás. Suelo pintar rápido, pero puedo llegar a pintar 100 veces el mismo rostro hasta conseguir la expresión deseada con pocos trazos.
Una pintura expresa la reflexión del artista, la necesidad de comunicar una idea, una emoción o una exploración de una parcela del mundo que el observa y que reproduce según su visión de la realidad ¿Que es lo que usted desea comunicar?
Siempre quise representar la belleza, o, mejor dicho, mi visión de lo que yo considero bello.
- Los expresionistas y los artistas de Die Brucke no buscaban reproducir un paisaje o retrato literalmente, sino la emoción que producen, expresar el sentir. ¿A cuál de estas tendencias se aproxima?
En esos años empezó un camino de no retorno, ya nunca más tendría sentido la literalidad en la pintura, más allá de algunos momentos de hiperrealismo circense. En mi caso pretendo transmitir sentimientos y emociones potenciado el trazo y también con el uso del color. Mi intención es llegar cada vez más lejos, quizás un día mi figuración se confunda con la abstracción, ese puede ser un buen objetivo.
- Debido a la proliferación de artistas de los últimos años en el mercado del arte, algunos críticos han comenzado a preguntarse sobre que es o que no es Arte. Al observar su trayectoria y su obra, pensamos que su definición personal sobre el arte puede aportar luces al tema.
Hoy, un pintor que pinta como Caravaggio, es un artesano en lugar de ser un artista. Quiero decir que cualquier pintor con un proyector y algo de técnica podría hacerlo. Para mi una obra
de arte debe expresar verdad y para conseguirla, un artista no tiene que esconder sus defectos, más bien tendría que potenciarlos porque en esos defectos puede estar su fuerza y su originalidad. Para eso hace falta valentía, aunque también conocimiento del momento actual y también del pasado reciente. Tal vez, lo menos importante en una obra de arte actualmente sea la técnica.
La exposición Social Landscape del artista español Xevi Sola se puede visitar hasta el 26 de mayo en Opera Gallery, 151 NE 41 St., Suite 131, en Miami. Lunes a sábado de 11 am a 8pm, y domingo de 12am a 6pm. Para más información, llame al (305) 868-3337.
